Cette installation s’inscrit dans un cycle de création qui réunira à terme une série de tableaux ainsi que six courts métrages portant sur la question des Murs de séparation étatiques. Ces six films sont constitués de trois diptyques filmiques portant sur les deux côtés de trois Murs distincts : le Mur de Cisjordanie, les Murs de Belfast ainsi que la barrière de séparation Mexique/USA.

Tourné à l’automne 2013 et terminé en mai 2014, le film Ils n’ont demandé à personne est une incursion à Qalqilya, ville palestinienne emmurée par Israël. Pendant que défilent des images du Mur, on entend des voix palestiniennes décrivant les impacts de ce Mur sur leur quotidien. Puis, à l’oppression du mur s’oppose les images de mères et d’enfants s’amusant dans un parc d’attraction, symbole de résistance face à l’occupant.

Le tableau adossé au Mur de projection est une composition où l’on voit la fracture du paysage composée par le Mur : d’un côté, la désolation et la catastrophe; de l’autre, le déni et la luxuriance des jardins verdoyants. L’intention est d’exprimer en images la disparité immense entre les deux mondes ainsi que la fin du dialogue matérialisée par le Mur.

Réflexion ouverte sur le fascisme, Le Mur de Babel interroge l’immobilisme des peuples devant la haine de l’autre utilisée comme instrument de manipulation politique. En prémisse, l’émergence du nazisme, puis la division de Berlin par les nations victorieuses de la Seconde Guerre mondiale menant à la création du mur pour terminer par la construction de la barrière de séparation israélienne : comment les opprimés d’hier peuvent-ils encore devenir les oppresseurs d’aujourd’hui?

À l’instar de la Tour de Babel, le mur est un symbole fort de non-communication entre les peuples. Élément de base dans le coffre à outils du contrôle des masses, la xénophobie joue sur l’identitaire et le sentiment nationaliste pour nous amener à rejeter celui qui ne parle pas la même langue que nous. L’étranger comme bouc émissaire qui unit la nation. Au fur et à mesure que les tensions croissent entre les peuples, les murs — réels ou intangibles — se dressent, ne servant que les intérêts des élites qui les utilisent pour se garder au pouvoir.

Le texte de Martin Niemöller utilisé comme matériau dans la création sonore de l’œuvre n’est pas un choix anodin : la défense des droits humains est une question collective. United we stand, divided we fall.

Après le mur est le récit d’un voyage, celui de deux femmes qui retournent là où trente ans auparavant elles ont été prisonnières politiques. Entre 1979 et 1983, Lucia et Maria ont milité au sein du mouvement révolutionnaire colombien M-19. Comme plusieurs autres militants, elles furent incarcérées dans la prison El Barne pendant deux ans.

Des photographies documentent uniquement le trajet : l’arrivée et le départ des deux femmes. Car de l’intérieur de la prison, où il est interdit de filmer ou de prendre des photographies, rien n’est révélé. La bande sonore est constituée de souvenirs, de discussions et d’impressions ayant refait surface durant le trajet.

Après le mur est un récit à plusieurs voix, celles des deux femmes, mais aussi celle de l’artiste qui témoigne de son expérience singulière : suivre sa mère en quête des traces de son histoire personnelle.

Le classeur Archives famille Restrepo est constitué de documents conservés par Lucia et Sergio, les parents de l’artiste. Ces photocopies de lettres, de photographies et d’articles de journaux retracent une partie de l’histoire politique de la Colombie et du M-19 au fil de l’histoire personnelle de deux anciens militants. Une fenêtre qui permet de voir ce qui a existé avant, pendant et après le mur.

L’obsession de la catastrophe imminente est omniprésente dans les réseaux d’information, dans la littérature, au cinéma et à la télévision. Nous sommes à la merci des changements climatiques et d’une catastrophe écologique, à l’aube d’une nouvelle guerre mondiale, en proie aux extrémistes religieux, victimes des procédés alimentaires industriels, enclins à succomber à la prochaine épidémie virale, floués par la corruption et la collusion du monde politique, soumis aux injustices sociales. Nous vivons avec l’annonce d’une nouvelle menace à tous les jours.

En amorce à une étude transdisciplinaire portant sur la mise en relation de groupes humains se composent des scènes où l’occupation du territoire est échafaudée par différentes clôtures. À droite, le zombie, fabuleuse créature qu’il trouve métaphorique de cette fin du monde annoncée, consomme sans fin tout le vivant sur son passage. D’un autre côté, le naturiste, figure anarchisante issue de la philosophie libertaire, se cloitre et pratique, dans le plus grand secret, l’exposition de son unique bien : son corps.

Le projet Walls of Separation s’intéresse à la tendance à construire des murs pour établir une ligne de séparation entre deux parties en conflit. L’artiste observe la façon dont les gouvernements utilisent ces murs comme une tactique de polarisation économique et de ségrégation religieuse et raciale en les légitimant à titre de défense contre un groupe politiquement hostile ou économiquement concurrentiel. Le projet Walls of Separation cherche à sensibiliser davantage le public à cette question et à susciter un dialogue à propos du cout social que représentent les restrictions imposées à la mobilité humaine.

La démarche artistique de Mirelle Borra consiste à explorer des formes de représentation qui dépassent les attentes habituelles liées aux images documentaires. En photographiant en gros plan quelques fragments soigneusement sélectionnés sur les murs, elle révèle des messages inscrits, des vestiges de blessures et de protestations ou des impressions personnelles qui passeraient inaperçus dans une perspective documentaire plus large. Au vu la nature controversée du sujet, on pourrait reprocher à cette esthétique d’être limitée. Mais ces images portent des traces visibles du conflit et nous renseignent sur le contexte plus large dans lequel il a pris forme. Une inspection minutieuse du mur révèle son impact sur la vie de tous ces gens contraints de s’y confronter au quotidien.

Gratter le bobo puise dans les effets de murs physiques et psychologiques en s’inspirant de la trace et du geste causés par ces murs invisibles qui deviennent concrets par le passage de la mémoire à l’action. Ce projet prend racine dans les histoires d’une fuite d’un pays vers un autre et tente, par la performance, l’écriture et le dessin, d’identifier le poids des limites mais aussi de la recherche d’une paix entre deux territoires, entre deux humains. Dans Gratter le bobo, l’artiste se soumet à des actions où ses propres frontières sont questionnées et mises à l’épreuve. L’installation est le regroupement d’archives textuelles, visuelles et matérielles exprimant le processus que l’artiste s’est imposé afin de dénouer des éléments de son passé. Le symbole de la cicatrice est pour lui la marque d’une conséquence et une allusion visuelle très vive de la tentative et de l’échec.